Pintura al óleo

Bodegones para pintar.

Uno de los cuadros típicos al pintar son los bodegones, por lo que a continuación veremos bodegones para pintar.

El primer paso seleccionar los elementos que vas a pintar para así obtener los colores a utilizar. En este caso los colores que usaremos son: Blanco Titanio, Amarillo Claro, Ocre Amarillo, Rojo Medio, Carmín Oscuro, Azul Ftalo, Verde Ftalo y Tierra Sombra Tostada.

Los pinceles que se necesitan son: uno de fibra suave mango corto del No. 2 y varios pinceles planos de cerda de mango largo de los No. 4, 6, 8 y 12.

Y obviamente un lienzo preparado para pintar.

El primer paso es colocar los elementos a pintar en una mesa frente a nosotros, de la forma armónica en que queremos plasmar nuestros bodegones para pintar; cuidando que cada objeto tenga una altura diferente. Coloca sobre la mesa un mantel, preferiblemente de color claro. Te recomendamos frutas redondeadas como manzana, melocotón, naranja, pera, etc. Evita frutas pequeñas, como las uvas, y evita también la fruta abierta o con mordeduras. Si deseas, puedes agregar algún elemento de cerámica, pero evita objetos de crsital.

Los bodegones para pintar se inician con un boceto en carboncillo, para que si hay algo que no nos guste, se pueda rectificar fácilmente con un trapo. Dibuja bien la forma de cada objeto, para que quede bien definido, sin poner sombras.

Cuando se acaba de hacer el boceto se rocía con fijador para el cabello en spray y se deja secar por 10 minutos.

Se prepara la paleta poniendo un poco de cada color que se va a utilizar, diluidas con un poco de trementina y un toque de aceite de linaza.

Se empieza a pintar el fondo con movimientos en zig zag con el pincel No. 12.

Se continua con el mantel y después con el tarro de cerámica y los frutos, se va cambiando el pincel de acuerdo con el espacio que se va a pintar.

Se deja secar tres días.

En esta etapa se prepara la paleta nuevamente, pero esta vez se diluyen muy poco las pinturas con un poco de aceite de linaza y un toque de trementina, haciendo las mezclas necesarias para tener diferentes tonos para dar  luz, mezclando blanco con cada tono, y para dar sombras a los elementos.

Se revisa el fondo y se agrega un poco de luz, después se retoca el mantel, agregando sombras donde está doblado.

Ahora se pasa a las frutas, cada una se retoca, agregando más color, de acuerdo a la madurez que se quiera reflejar, y se agregan sombras en los bordes y luz al otro extremo.

Se revisa el conjunto, si es necesario se dan unos toques de luz hasta que estemos a gusto con nuestros bodegones para pintar.

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Naturaleza para pintar

En la búsqueda de temas para plasmar en óleo, hoy veremos la naturaleza para pintar.

Si queremos plasmar naturaleza para pintar en óleo, debemos elegir la parte de naturaleza que queremos plasmar y al encontrar esa parte de la naturaleza tenemos dos opciones;

Ir con nuestro lienzo y pintar en medio de la naturaleza o bien, tomar una fotografía y pintar poco a poco en nuestro estudio.

Al seleccionar el paisaje, hay que seleccionar el material a utilizar, tener el lienzo preparado y reunir los óleos que se van a utilizar, en este caso: Blanco, Azul Cobalto, Azul Cielo, Azul Ultramar, Gris Payne, Verde esmeralda y Carmín de Garanza.

Primero se hace un boceto con carboncillo, en este paso se debe realizar con mucho detalle si quieres que sea una obra muy realista o se hace un boceto sencillo  si tu estilo es más surrealista.

Cuando se acaba de hacer el boceto se rocía con fijador para el cabello en spray y se deja secar por 10 minutos.

Se prepara la paleta con los colores que usaremos primero, como se va a empezar con el cielo se coloca un poco de Azul Cobalto, Azul Cieloy Blanco y se van mezclando estos colores con un poco de trementina y un toque de aceite de linaza para pintar el cielo y con más Blanco se van a dar forma a las nubes. En este momento no importa conseguir el color exacto, lo importante es lograr la armonía del conjunto.

Ahora se empieza el segundo plano, es decir, la montaña del fondo, lo cual se logra siguiendo con las pinceladas el sentido correcto de la piedra, agregando el Gris Payne a la paleta mezclando con esencia de trementina  y un poco de aceite de linaza.

Una vez que se terminan de definir las rocas se sigue con la zona arbolada para darles el tono oscuro de las sombras.

Es importante ir construyendo la obra plano a plano, pues de lo contrario al final no se integrará bien y no va a encajar en conjunto toda la obra.

Ahora daremos más color a las piedras y a los árboles mezclando Gris Payne, Verde Esmeralda y Carmín de Garanza, se van a definir y a dar profundidad a los árboles, con unas pincelas se juega con las sombras de las rocas del río.

Posteriormente se inicia la zona del rio, tratando de conseguir que el agua nos exprese el movimiento del río mediante  la mezcla de claroscuros, dejándola que surja mediante pinceladas con los colores del entorno y de los reflejos.

Se deja secar varios días para retomarlo y así agregarle la fuerza y expresión que nos transmite la naturaleza para pintar.

Como cinco días después se retoma la pintura preparando la paleta, en esta ocasión se agrega menos trementina y un poco más de aceite de linaza.

Primero revisa el cielo y lo retocas agregando más volumen y luz a las nubes, dando pinceladas con Azul Cobalto y una mezcla de Azul Ultramar y Blanco para la luz. En algunas zonas se da un poco de sombra a las nubes con unos toques violáceos y en otras zonas se resalta la claridad del sol que se refleja en ellas con blanco puro. Finalmente se va a integrar todo el cielo con gran suavidad, usando si es necesario, los dedos.

Después se pasa a las montañas, dando toques muy suaves por zonas con la punta de la espátula, siguiendo el sentido de la piedra,  en vertical, en horizontal o inclinadas hasta que logres que parezca piedra de verdad. Hay que cuidar el color de la montaña evitando que se oscuresca mucho, para que se aleje, ayudando a dar la profundidad a nuestra naturaleza para pintar.

Ahora se sigue con las rocas del río,  detallándolas para que adquieran más volumen, lo que se consigue haciendo variaciones de color sin salirte del color base, enfatizando el color en las zonas de luz y oscureciéndolo para las sombras.

Para las piedras del río debes seguir las pinceladas en el sentido adecuado que cada roca requiera, en unos casos en curva, en otros en forma recta, para así formar ángulos. El conjunto de todo esto será lo que dé volumen y credibilidad al río.

Se continúa con la zona de los árboles a los que se les va a dar  volumen a base de luz, haciendo varias mezclas de verdes y dando pinceladas seguras, no trates de pintar hojas, sino zonas de color. Y ya de pasada, se van a dar unos toques de luz en el agua del río, creando un poco de movimiento.

Se deja secar otros tres días.

Se retoma el trabajo retocando el puente y toda la vegetación a la derecha de éste, lo que ayuda bastante al conjunto. Se va a dar más fuerza y movimiento al río agregando espuma blanca en ciertas zonas,  mezclando Blanco con un toque de Azul Ultramar con unas pinceladas circulares, dejando que el río se exprese.

Se revisa todo el conjunto, se retocan los detalles que falten, ya sea un poco de sombra en las nubes, un poco de color a los árboles o dando más movimiento al río, hasta que te sientas satisfecho con tu naturaleza para pintar hecha realidad.

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Características de una obra de arte.

Una obra de arte representa una imagen que se logra a través de la mezcla de los elementos que la componen. De esta manera, podemos decir que las características de una obra de arte son: líneas, volumen, áreas, color, valores, equilibrio, proporción, ritmo, énfasis.

Las líneas son el recurso básico de la expresión pictórica. La línea puede ser utilizada como un esquema que sirve como base al desarrollo de la imagen, o bien, la línea puede ser un recurso expresivo por si mismo. se puede concluir que las líneas se utilizan a conveniencia para expresar una intención.

El volumen se logra a través de las áreas, que pueden ser planas o yuxtapuestas. Las áreas sirven como elemento fundamental en la estructuración de la obra en su totalidad, ya que con ellas se logra el equilibrio, el ritmo y el énfasis. Las áreas pueden ser definidas, sólidas, dándole peso a un lado específico de la composición.  Logran dar ilusiones ópticas mediante las combinaciones de elementos como la línea y el color.  Para dar profundidad en la composición y el diseño el artista se vale de planos, desde el primero, segundo, tercero, logrando así la perspectiva.

El color permite al artista combinar y contrastar. Tiene unas cualidades visuales que es lo que llamamos valores, estos son la luz que produce en el cuadro luminosidad y sombras. El color puede crear ilusiones, volumen, profundidad.  Los diferentes tonos de color se miden en fríos o calientes. Los colores cálidos, los oscuros y las tierras pesan más que los colores fríos, los claros y los saturados o puros.

Existe equilibrio cuando un peso es igual a otro y lo contrarresta, cuando distintos pesos se compensan o cuando existe armonía entre los distintos objetos.

El ritmo es la combinación armónica de de las formas siguiendo un orden que contempla tanto los espacios vacíos como los ocupados.

Cada uno de estos elementos conforman una obra, sin embargo hay algunas características de una obra de arte para que se considere como tal y pueda trascender a través del tiempo como innovación, virituosidad y visión artística.

Virtuosidad es la forma en que un artista domina la técnica. Un pintor virtuoso hace parecer natural ese dominio de la técnica.

Visión artística es que el pintor exprese sus ideas y sentimientos a través de la pintura con pasión, entregándose a ello, como Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.

Imagenes de cuadros abstractos

Para pintar imagenes de cuadros abstractos necesitas expresar tus sentimientos momentáneos, dejarte llevar sin pensar qué vas a pintar exactamente….un poco de azul aquí, verde por el otro lado,un toque de rojo…hasta descubrir finalmente que es lo que has hecho.

Al realizar  imagenes de cuadros abstractos no hay reglas específicas, una idea para hacer cuadros abstractos surge a partir de una línea que traces con un pincel, así puedes crear diferentes planos, cada plano es una pincelada, y de esta manera puedes crear una obra con gran expresión.

En las imagenes de cuadros abstractos la línea es el personaje, puede ser vertical, horizontal o en forma de remolino, variando de acuerdo a lo que tus sentimientos te indiquen.

Si quieres pintar imagenes de cuadros abstractos forma una paleta con todos los colores que mas te gusten, ponte frente a un lienzo,  empieza a trazar líneas y deja que tus personajes digan que camino seguir, te sorprenderás de los resultados.

Como pintar en óleo

Estas son algunas recomendaciones para quienes quieren iniciar su lado artístico aprendan como pintar en óleo. Para empezar debes tener a mano todos los materiales necesarios para pintar: Oleos de diferentes colores. Espátulas. Pinceles de serda o marta. Aceite de lino. Trementina. Secante de cobalto. Lienzo preparado para pintar. Paleta. Es necesario diluir el óleo para obtener consistencias más líquidas o transparencias en el color. Para diluir el óleo necesitas un “médium”. Puedes preparar médium mezclando en partes iguales aceite de lino con trementina, o en su defecto aguarrás vegetal. Este médium es mejor que el aceite de lino solo en la dilución de los óleos, ya que este retrasa mucho más el secado de la pintura (ten en cuenta que los óleos secan en cinco días aproximadamente). La manera de aplicar médium para diluir o secante de cobalto para acelerar el secado, es goteando sobre el óleo con el pincel. Aplica pocas gotas y prueba la mezcla para poder controlar el punto de consistencia que necesitas. Utiliza la paleta y una espátula para hacer mezclas de color de óleos. Para poder organizar la paleta, aplica en ella los colores que desees mezclar por separado y en un tercer lugar de dicha paleta pon un poco de uno y otro poco del otro color para mezclarlos con la espátula de punta redonda. Al pintar sobre el lienzo, puedes hacerlo con pinceles los cuales te darán distintas calidades en el trazo aplicando poca materia al lienzo; o con espátulas blandas, con las que puedes aplicar grandes cantidades de materia o raspar el lienzo ya pintado para generar diversas texturas. Siempre que termines una sesión de pintura es importante  limpiar los pinceles con trementina o aguarrás vegetal. Este iniciio de año puedes descubrir tu lado artístico aprendiendo como pintar en óleo y encontrar al artista que estaba oculto dentro de ti. Basado en http://comunidad.biensimple.com/tiempo-libre/w/tiempo-libre

Laminas para pintar oleo

Algunas recomendaciones para elegir laminas para pintar oleo, la más utilizado paranel óleo es el lienzo o tela, aunque se puede realizar en madera o en un muro. Pero debido a lo práctico que son los lienzos por su movilidad y ligereza son los más utilizados como laminas para pintar oleo.

Las telas más usadas para pintar al óleoson las de lino y de cáñamo. Esto se debe a que otras telas como las de algodón, presentan mayor porosidad, mientras que la seda tiende a quebrarse bajo la acción de los aceites.

Por otro lado, al elegir las laminas para pintar oleo, es muy importante el tipo de tejido de la tela; los venecianos utilizaban los tejidos en espina-pez y los de fuerte granulosidad.

Otro punto importante es colocar las laminas para pintar oleo sobre un bastidor de madera que se pueda tensar al gusto y necesidad del pintor, para lo que se necesita que el bastidor tenga unas llaves para regular la tensión del lienzo. Estas llaves son unas láminas triangulares que penetran en unas muescas talladas interiormente en los ángulos del bastidor; de acuerdo al nivel de hundimiento de las muescas el lienzo quedará más o menos tenso.

Una vez que se tiene lamina para pintar oleo en el bastidor se lleva a cabo el proceso de “imprimación”, que consiste en preparar el lienzo para que reciba la pintura. Este paso es de gran importancia porque de una buena imprimación depende la luminosidad del cuadro, la duración del mismo, y por lo tanto, la vida de la obra de arte.

El primer paso de la imprimación es dar una primera mano de cola, rebajada con amoniaco y glicerina para evitar la putrefacción de la tela y la rigidez.

Después se aplica una mezcla de cola dulce, óxido de cinc y carbonato de calcio con el pincel o con la espátula.

Se deja secar y se raspa antes de la aplicación de la siguiente capa. Se pueden dar varias capas pero cuidando que se mantega como un fondo muy fino y no una placa que se pueda cuartear.

Cuando se requiere un fondo no absorbente, hay que emplear aislantes a base de barniz, para eliminar la absorción. en este caso se da una mano de cerusa (blanco de plomo) diluido en aceite y esencia, pero la tela no se puede utilizar hasta que este completamente seca, después de varios meses.

El fondo de la imprimación queda generalmente en blanco, pues combina bien con todos los colores. Pero en algunas ocasiones se elige otro color de fondo, por ejemplo el rojo, pero se debe tener cuidado al elegirlo, calculando los valores y tonos de la pintura que va a realizar.

Una vez que se realizó la imprimación, las laminas para pintar oleo están listas para que el artista se exprese en una nueva obra de arte.

Cuadros de Flores

Estos son algunos tips para hacer Cuadros de flores:

• Elige la flor que quieres pintar, puede ser una foto o una flor natural.
• Adquiere las pinturas que necesitas, en este caso se usaron:  blanco, tierra rosa transparente, amarillo ocre, amarillo titán y verde vejiga.
• Prepara el lienzo
• Traza la flor con un carboncillo, inicia con el tallo, y de ahi dibujas cada uno de los pétalos.
• Trata que cada pétalo se a diferente, para que tu flor tenga movimiento.
• Coloca en la paleta un poco de cada tono de oleo.
• Para empezar, utiliza verde vejiga para pinta un lado de la hoja, sólo un lado.
• Mezcla amarillo titán con un poco de amarillo ocre para lograr el tono de la foto.
• Empieza a pintar los pétalos por las orillas, definiendo cada uno de ellos.
• Ahora vas a mezclar un poco de amarillo titán con otra cantidad similar de amarillo ocre y tierra rosa transparente, para crear sombras y darle volumen a los pétalos.
• Para hacer el sombreado empieza a dar unos toques con esta mezcla en la base de la flor.
• Trata de que los tonos claros queden hacia afuera y los oscuros en el centro.
• Para dar luz a este cuadro mezcla un poco de amarillo titán con blanco y utiliza un pincel delgado y delinea cada uno de los pétalos por fuera.
• Da unos trazos con este pincel para crear contraste en las zonnas oscuras.
• Posteriormente, se retocan las sombras, para lograrlo vas a  poner un poco más de tierra rosa transparente a la mezcla que ya tenías con este tono y da unos toques en la base de la flor y en la parte interior del pétalo.
• Ahora se va a pintar la parte de la hoja que había quedado pendiente,mezclando verde vejiga con un poco de amarillo titán, amarillo ocre y tierra rosa transparente.
• Se deja secar el cuadro y se continua con la pintura uno o dos dias después.
• Para retomar la pintura de esta flor se va a pintar el fondo: mezcla un poco de verde con amarillo titán hasta lograr el tono verde de fondo deseado.
• Con un pincel plano pinta el fondo iniciando por las orillas y finaliza bordeando la flor.
• Ahora, mezcla verde vejiga con amarillo titán y un poco de blanco y se pinta el tallo con una espátula, la cual se apoya suavemente en el lienzo para dejar la capa de pintura iniciando de la hoja hacia el centro de la flor.
• Después se da más luz a los pétalos de la flor, mezclando amarillo titán con blanco.
• Se dan unos toques con la espátula del tallo hacia cada uno de los pétalos.
• Después se da un toque con la espátula en la parte superior de la hoja.
• Deja que seque la pintura nuevamente.
• Sólo faltan los detalles.
• Primero con un poco de verde vejiga se dan unos toques a la hoja donde quedo muy blanca, pero sin perder la luz que se había creado.
• Después se da más luz con la mezcla de amarillo y blanco se dan unos toques en la parte superior de los pétalos.
• Da unos toques de verde para remarmacar cada pétalo.
• Ahora mezcla verde vejiga con blanco para dar luz al fondo cerca de las zonas oscuras de la flor.
• Y por último oscurece el fondo en las zonas claras con una mezcla de verde con tierra rosa transparente y amarillo ocre, lo que dará unos tonos rojizos.

Ahora tienes un Cuadro de Flores a tu gusto.

El Surrealismo.

El Surrealismo surge en la década de 1910 como un movimiento literario como una forma de expresión para liberar la imaginación del subconsciente.

Pero se instituye oficialmente cuando el poeta André Breton publica el Manifiesto del Surrealismo en París en 1924, convirtiéndose en un movimiento internacional de poetas y políticos, encabezado por Breton, Louis Aragon, Paul Éluard  y Philippe Soupault.

Los autores del surrealismo se basan en las teorías de Sigmund Freud y Carlos Marx, ya que su poesía y su prosa se sustentan en el mundo privado de la mente, tradicionalmente restringida por la razón y la sociedad, para producir imágenes sorprendentes e inesperadas.

Entre los primeros pintores que aplican las técnicas del surrealismo se encuentra Max Ernst, André Masson,  Joan Miró y Man Ray. Breton consideró que los dibujos de Masson tenían el mismo automatismo de su poesía. Y por otro lado, Miró utiliza formas orgánicas y líneas retorcidas para crear un mundo imaginario de figuras fantásticas, como se puede observar en la obra La Papa.

Ernst, que se inició como dadaísta, en el surrealismo creó dos procesos llamados Decalcomanía y Grattage. Decalcomanía es la técnica de presionar una hoja de papel sobre una superficie pintada y despegarla de nuevo, mientras que Grattage es el proceso de raspado de pigmento a través de una tela que se pone encima de una superficie con textura.

René Magritte se convirtió en una figura destacada del surrealismo, influenciado por las pinturas de De Chirico. Magritte pintó objetos eróticamente yuxtapuestas en un entorno de ensueño. Su trabajo define una división entre el automatismo visual de Masson y Miró y una nueva forma de surrealismo ilusionista practicada por Salvador Dalí, Paul Delvaux y Yves Tanguy.

Dalí emplea símbolos freudianos, como las hormigas, para simbolizar su deseo sexual abrumadora. En 1930, Breton alabó a Dalí por sus representaciones del inconsciente en el Segundo Manifiesto del Surrealismo.

El movimiento surrealista se disolvió con la Segunda Guerra Mundial, Breton, Dalí, Ernst, Masson entre otros, se fueron a Nueva York. Surge el movimiento de renovación en Estados Unidos en las galerías de arte de Peggy Guggenheim, la Art of This Century y la  Julien Levy. En 1940, Breton organizó la cuarta Exposición Internacional del Surrealismo en la Ciudad de México, que incluyó a Frida Kahlo y a Diego Rivera.

Las imágenes del surrealismo, su simbolismo profundo, sus técnicas refinadas de pintura y el desprecio por el convencionalismo influyó en las nuevas generaciones de artistas, como Joseph Cornell y Arshile Gorky.

Óleos abstractos

Cuadros abstractos para pintar parece muy sencillo, pero en realidad puede ser un poco complicado, por lo que te damos algunos tips  para pintar óleos abstractos:

• Adquiere el material: Compra un lienzo del tamaño que quieras, un juego de pinceles de diferentes tamaños, tres brochas, algunas brochas de esponja de todos los tipos y tamaño.
• Elige las pinturas en los tonos que vas a desarrollar tu cuadro, puede ser en tonos de azules, gris, negro y morado. O bien puedes elegir los naranajas y adquirir entonces rojo, amarillo, naranja, blanco y verde.
• Adquiere materiales adicionales que quieras agregar para generar textura, como: telas de diferentes materiales, arena, sal gruesa, sal fna, etc.
• Empieza a realizar las mezclas de color combinando todas las pinturas que elegiste.
• Inicia tu obra con pinceladas rectas, circulares y deja que tu imaginación te guie
• Una vez que empieza una imagen en tu mente deja queela te lleve paa expresarla en el lienzo.
• Deja secar, observa tu obra y ve que le falta a tu óleo abstracto, agrega las pinceladas o bien, utiliza las brochas para dar el toque le falta a tu cuadro.
• Deja secar un poco y cuando todavía esté fresca la pintura agrega los materiales que escogiste como tela, arena y sal, colocándolos en los lugares que quieres resaltar las texturas o la luz de tu creación, dándole así tu toque personal.
• Da nuevas pinceladas y brochazos sobre los materiales que colocaste para finalizar tu óleo.
• Deja secar por completo y ya tienes una pintura óleo sobre tela que es una fiel una expresión artística de ti mismo.

Pintores Impresionistas

Monet

Claude Orayan Monet siempre ha sido considerado como el máximo representante de los Pintores Impresionistas. Es un impresionista puro que llegó a realizar 3000 cuadros aproximadamente.

Sus obras se caracterizan por estar llenos de luz, donde se combinan el color y la forma. Siempre muestra hábilmente el reflejo de la luz en cualquier lugar: en el agua, en la nieve o en el frente de una catedral. Sus temas preferidos son las marinas, pinturas de lluvia y paisajes. Su constante e intenso estudio de la luz se refleja en sus obras donde muestra sus múltiples efectos con su ágiles pinceladas.

Sus primeras obras son realistas, con las que Monet logró tener una exposición en el Salón de París. Y fua partir del final de la década de 1860 cuando comenzó a pintar obras impresionistas.

Durante la década de 1870 participó en exposiciones de arte impresionista conPierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el mercader de arte Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la “serie” en las que muestra sus conocimientos de luz que ya hemos mencionado.