Pintura al óleo

Sebastian_Krueger: “Nuevo Realismo Pop”

sebastian_krueger pintor “Nuevo Realismo Pop”

Sin embargo se apartó de la parte comercial y se dedicó exclusivamente a la pintura. A incursionado en el estilo: “Nuevo Realismo Pop” Sus pinturas son admiradas y son coleccionadas por estrellas de pop como los Rolling Stones quienes son sus amigos y por conocedores de arte de todo el mundo.
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Como pintar un cuadro de flores

El pintar flores requiere experiencia técnica en retrato, conocimientos de composición, combinación de colores y conocimientos de manejo de luz.

Quiero mostrarles este óleo de flores que me gustó mucho por la autora: Gary Jenkins. La pintora quizo realizar la pintura sin que el hada fuera el centro de atención. Su interés era llevar al espectador a través del recorrido de las flores y en el camino encontrarse con el hada.
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Pinturas de Arte Fantástico

Interesantes pinturas de arte fantástico. Artistas muy talentosos como Christiane Vleugels, Karol Bak.
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Cómo evitar grietas al poner capas de pintura

Es importante que todo pintor tenga conocimiento del funcionamiento de los medios para trabajar el óleo. Encontré este artículo que se me hizo muy valioso y me gustaría comentar lo más importante.

El autor menciona que muchos artistas no están familiarizados con la regla básica de la pintura al óleo: “Graso sobre magro”. Esta norma ayuda a evitar el agrietamiento.

Los aceites secantes, sobre todo el aceite de linaza y el aceite de nuez, se secan por oxidación en vez de evaporación. Cuando los líquidos se secan por evaporación, el líquido se convierte en gas, sin dejar huella. Sin embargo, cuando un líquido seca por oxidación, el líquido se combina con oxígeno de la atmósfera y se somete a un cambio molecular alterando su forma pero permanence donde fue colocado.

Los diluyentes como la goma de trementina de los pinos o minerales derivados del petróleo se evaporan. Y si son puros, no hay rastro de ellos en la película de pintura. Su propósito es diluir o adelgazar la pintura, pero hace muy poco para modificar la película de pintura.
Los aceites secantes, como linaza o nuez, se secan por la oxidación.
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Economía del Arte

Es muy probable que como artistas rara vez nos cuestionemos temas demasiado técnicos, sin embargo la Economía del Arte es una importante área de estudio y no está demás, por lo menos, saber que existe. Les compartimos este texto de Andres Roemer.

Posiblemente, al lector le parezca sorpresivo e incluso desconcertante, encontrarse con un análisis económico de la cultura. ¿Qué puede explicar la economía en el campo de la cultura y las artes? Posiblemente, lo primero que le llegue a la mente serán cuestiones de compra y venta de obras artísticas, problemas de asignación del presupuesto para la cultura en algún país, investigaciones sobre la contribución de la cultura y las artes al desarrollo económico, problemas y oportunidades en materia arancelaria versus no arancelaria de industrias culturales o incluso, si es más vanguardista, el papel de la economía en la mente creativa. Incluso, podría pensar que la economía no tiene (o no debiera tener) injerencia alguna en el campo de la cultura y las artes. Hace algunos años, aún los economistas se habrían sorprendido al escuchar que exista tal cosa como el paradigma económico del arte. Al mismo tiempo, las contribuciones que había en esta área eran pocas y aisladas, y sólo de economistas personalmente interesados en el tema. La pregunta relativa a si el gobierno debe apoyar las artes, sin embargo, ha sido discutida desde finales de los sesentas en el área de finanzas públicas.

¿Cuáles son los aspectos considerados y las herramientas utilizadas al tomar en cuenta el modo de pensar de un economista? ¿Cuáles son las fortalezas y debilidades del paradigma económico en las artes? Un objetivo es convencer a los economistas (y seudoeconomistas) con su propio lenguaje de por qué es importante (o no irrelevante) darle prioridad y destinar recursos públicos al arte y a la cultura.

La ciencia económica estudia la escasez como elemento sine qua non, que confiere existencia a la disciplina y la hace aplicable. Esto significa que, cuando se lleva a cabo una actividad, no es posible realizar otra que ocupe los mismos recursos. Cuando se utiliza trabajo y capital (infraestructura, equipo técnico), dichos recursos humanos y materiales no pueden utilizarse al mismo tiempo para otro propósito.

En las artes, los medios también son escasos. Un director de teatro, por ejemplo, no puede realizar todas las obras que le gustaría: tiene que hacer una selección de las mismas. De este modo, siempre estamos forzados a comparar usos opcionales con los medios disponibles.

¿Qué puede aportar la economía al debate y a la concepción analítica de las políticas públicas en un tema tan ajeno al “mercado tradicional” como lo son el arte y la cultura?

La economía, como disciplina independiente, con metodología y agenda propias, es un fenómeno relativamente reciente, producto de un esfuerzo intelectual de los dos últimos siglos. Anteriormente, los temas económicos eran abordados desde la perspectiva de la filosofía, el derecho y la historia.

El proceso de desarrollo de la economía en tanto que disciplina independiente, con identidad propia, condujo a un distanciamiento indebido, pero entendible, de las disciplinas maternas. Afortunadamente, y como consecuencia de su maduración, la economía se ha acercado a disciplinas no tradicionales de análisis en casos como el de la cultura y las artes. Este movimiento nació en la década de los cincuentas gracias a un grupo de distinguidos académicos, asociados con las Escuelas de Economía y Derecho de la Universidad de Chicago, entre los que destacaban los profesores Aaron Director y Ronald Coase a modo de líderes intelectuales.

La contribución “clásica” es de Baumol y Bowen (1966) y trata sobre los recurrentes problemas financieros de las artes escénicas. Esto desencadenó un interés inmediato y llevó diversas investigaciones. Encuestas y estudios de la economía del arte aparecen en un artículo de Throsby (1994) y en varios tratados como los de Throsby y Withers (1979), Frey y Pommerehne (1989), Peacock (1993), Heilbrun y Gray (1993), y Benhamou (1996). Colecciones de artículos han sido editadas por Blaug (1976) y, más recientemente por Towse y Khakee (1992), Peacock y Rizzo (1994), y Ginsburgh y Menger (1996).

Hoy en día, el análisis económico de la cultura se ha convertido en un campo definido en el ámbito de la economía. Existe una revista de investigación reconocida desde hace varios años, el Journal of Cultural Economics, así como una asociación académica en la materia, la International Association for Cultural Economics; de igual manera, a la fecha se han escrito numerosos libros, y es casi imposible contar el número de artículos relevantes en revistas de investigación sobre economía de la cultura y las artes.

Tecnicas para pintar con óleo

Las tecnicas para pintar con óleo surgen desde el siglo XV y han sido las más importantes tecnicas píctoricas hasta nuestros días.

Las tecnicas para pintar con óleo son:

1. Variaciones de Imprimación.

• Pintar sobre fondo blanco. Si lo que deseas es ir dando color desde la luz. Esta técnica es muy usada en marinas y paisajes.
• Pintar sobre tela, madera, cartón, u otro soporte que tiene un color de fondo previo. Pensando que un color influirá en nuestra visualización de la obra. Esta técnica se usa para hacer retratos que surgen de la oscuridad (como en el barroco).
• Pintar sobre una imprimación con una textura específica. Esto generará un efecto especial sobre tu pintura.

2. Soporte. Las tecnicas para pintar con óleo incluyen varias opciones de soporte:

• Se puede realizar una pintura al óleo sobre una plancha de madera.
• Sobre un lienzo es lo más común, por su ligereza y lo práctico que resulta, principalmente para la pintura al aire libre.
• Sobre muros, técnica que se ha utilizado a lo largo del tiempo.

3. Capacidad expresiva del Empaste. El empaste se puede usar de muchas formas:

• Pintura con espátula.
• Puntillismo.
• Pinceladas y trabajo de pincel.
• Texturas aplicadas con pasta de color.
• Collage con empastes.

4. Veladuras, Transparencias y Trabajos tonales.

• La veladura funciona de acuerdo con los colores que estemos mezclando y en qué orden. Pero esto ya es una búsqueda expresiva que se debe buscar a propósito.
• Las transparencias se pueden crear con efectos visuales que la pintura realiza, principalmente manejando la variación de tonalidades. También se pueden usar materiales transparentes.

5. Fusión de Colores. Se lleva a cabo gracias a la humedad de la pintura, por lo que es un trabajo que se realiza con la pintura húmeda y el uso de disolventes.

Como pintar en la pared

Hacer murales lleva todo un proceso, por lo que a continuación les presentamos como pintar en la pared.

Lo primero que hay que saber de como pintar en la pared, es seleccionarla. Hay que considerar que los murales realizados en interiores duran más que los realizados en el exterior. Si va a pintar en un lugar exterior, entonces debe ser una pared que esté resguardada de la lluvia y de la luz directa del sol.

La pared no debe tener humedades y de preferencia que sea una pared con superficie lisa.

Si la pared tiene un mural previo, ya sea al fresco u otro método, se raspa con una espátula.

El primer paso de  como pintar en la pared, es prepararla. Hay dos formas de preparar la pared:

1er. Método:

• Se les dan dos o tres manos de aceite hervido, continuando, hasta que la pared ya no absorba más.
• Cuando la superficie está seca se aplica una capa de blanco de plomo, de aceite.
• Se pone una capa de amarillo de plomo.
• Se pone una capa de arcilla refractaria.
• Se dan dos a tres manos con una mezcla de polvo de mármol muy fino y cal, más una aplicación de aceite de lino.
• Para terminar, se da una mano de pez griega.

2do. Método.

• Se hace un revoco de estuco. Esto es un revestimiento continuo realizado con una mezcla de cal, polvo de ladrillo muy fino y arena de mármol tamizada. Consta de varias capas de mortero de la misma composición que se extiende hasta conseguir un acabado brillante similar a los mármoles.
• Después se le da un mano de aceite de linaza. Una vez seca, se dará una capa con una mezcla de pez griega, resina y barniz grueso hirviendo.
• Cuando la superficie está seca la pared se imprimará con selladora de látex. Se diluye
• una parte de látex en dos partes de agua y se aplican dos manos.

Se cuadricula la pared. Primero se marcan las medidas y después se trazan las líneas.

Después, se copia el dibujo en la pared sirviéndose de las cuadrículas con carboncillo y se repasarlas a pincel con pintura un poco diluida.

Se borran las cuadrículas con un plumero, para evitar que la pintura se mezcle con el polvo de la cuadrícula y altere el color.

Se inicia la aplicación de color, de la misma forma en que se realizó el boceto, utilizando los mismos tonos.

Bodegones para pintar.

Uno de los cuadros típicos al pintar son los bodegones, por lo que a continuación veremos bodegones para pintar.

El primer paso seleccionar los elementos que vas a pintar para así obtener los colores a utilizar. En este caso los colores que usaremos son: Blanco Titanio, Amarillo Claro, Ocre Amarillo, Rojo Medio, Carmín Oscuro, Azul Ftalo, Verde Ftalo y Tierra Sombra Tostada.

Los pinceles que se necesitan son: uno de fibra suave mango corto del No. 2 y varios pinceles planos de cerda de mango largo de los No. 4, 6, 8 y 12.

Y obviamente un lienzo preparado para pintar.

El primer paso es colocar los elementos a pintar en una mesa frente a nosotros, de la forma armónica en que queremos plasmar nuestros bodegones para pintar; cuidando que cada objeto tenga una altura diferente. Coloca sobre la mesa un mantel, preferiblemente de color claro. Te recomendamos frutas redondeadas como manzana, melocotón, naranja, pera, etc. Evita frutas pequeñas, como las uvas, y evita también la fruta abierta o con mordeduras. Si deseas, puedes agregar algún elemento de cerámica, pero evita objetos de crsital.

Los bodegones para pintar se inician con un boceto en carboncillo, para que si hay algo que no nos guste, se pueda rectificar fácilmente con un trapo. Dibuja bien la forma de cada objeto, para que quede bien definido, sin poner sombras.

Cuando se acaba de hacer el boceto se rocía con fijador para el cabello en spray y se deja secar por 10 minutos.

Se prepara la paleta poniendo un poco de cada color que se va a utilizar, diluidas con un poco de trementina y un toque de aceite de linaza.

Se empieza a pintar el fondo con movimientos en zig zag con el pincel No. 12.

Se continua con el mantel y después con el tarro de cerámica y los frutos, se va cambiando el pincel de acuerdo con el espacio que se va a pintar.

Se deja secar tres días.

En esta etapa se prepara la paleta nuevamente, pero esta vez se diluyen muy poco las pinturas con un poco de aceite de linaza y un toque de trementina, haciendo las mezclas necesarias para tener diferentes tonos para dar  luz, mezclando blanco con cada tono, y para dar sombras a los elementos.

Se revisa el fondo y se agrega un poco de luz, después se retoca el mantel, agregando sombras donde está doblado.

Ahora se pasa a las frutas, cada una se retoca, agregando más color, de acuerdo a la madurez que se quiera reflejar, y se agregan sombras en los bordes y luz al otro extremo.

Se revisa el conjunto, si es necesario se dan unos toques de luz hasta que estemos a gusto con nuestros bodegones para pintar.

Basado en http://www.pinturaaloleo.es.tl

Naturaleza para pintar

En la búsqueda de temas para plasmar en óleo, hoy veremos la naturaleza para pintar.

Si queremos plasmar naturaleza para pintar en óleo, debemos elegir la parte de naturaleza que queremos plasmar y al encontrar esa parte de la naturaleza tenemos dos opciones;

Ir con nuestro lienzo y pintar en medio de la naturaleza o bien, tomar una fotografía y pintar poco a poco en nuestro estudio.

Al seleccionar el paisaje, hay que seleccionar el material a utilizar, tener el lienzo preparado y reunir los óleos que se van a utilizar, en este caso: Blanco, Azul Cobalto, Azul Cielo, Azul Ultramar, Gris Payne, Verde esmeralda y Carmín de Garanza.

Primero se hace un boceto con carboncillo, en este paso se debe realizar con mucho detalle si quieres que sea una obra muy realista o se hace un boceto sencillo  si tu estilo es más surrealista.

Cuando se acaba de hacer el boceto se rocía con fijador para el cabello en spray y se deja secar por 10 minutos.

Se prepara la paleta con los colores que usaremos primero, como se va a empezar con el cielo se coloca un poco de Azul Cobalto, Azul Cieloy Blanco y se van mezclando estos colores con un poco de trementina y un toque de aceite de linaza para pintar el cielo y con más Blanco se van a dar forma a las nubes. En este momento no importa conseguir el color exacto, lo importante es lograr la armonía del conjunto.

Ahora se empieza el segundo plano, es decir, la montaña del fondo, lo cual se logra siguiendo con las pinceladas el sentido correcto de la piedra, agregando el Gris Payne a la paleta mezclando con esencia de trementina  y un poco de aceite de linaza.

Una vez que se terminan de definir las rocas se sigue con la zona arbolada para darles el tono oscuro de las sombras.

Es importante ir construyendo la obra plano a plano, pues de lo contrario al final no se integrará bien y no va a encajar en conjunto toda la obra.

Ahora daremos más color a las piedras y a los árboles mezclando Gris Payne, Verde Esmeralda y Carmín de Garanza, se van a definir y a dar profundidad a los árboles, con unas pincelas se juega con las sombras de las rocas del río.

Posteriormente se inicia la zona del rio, tratando de conseguir que el agua nos exprese el movimiento del río mediante  la mezcla de claroscuros, dejándola que surja mediante pinceladas con los colores del entorno y de los reflejos.

Se deja secar varios días para retomarlo y así agregarle la fuerza y expresión que nos transmite la naturaleza para pintar.

Como cinco días después se retoma la pintura preparando la paleta, en esta ocasión se agrega menos trementina y un poco más de aceite de linaza.

Primero revisa el cielo y lo retocas agregando más volumen y luz a las nubes, dando pinceladas con Azul Cobalto y una mezcla de Azul Ultramar y Blanco para la luz. En algunas zonas se da un poco de sombra a las nubes con unos toques violáceos y en otras zonas se resalta la claridad del sol que se refleja en ellas con blanco puro. Finalmente se va a integrar todo el cielo con gran suavidad, usando si es necesario, los dedos.

Después se pasa a las montañas, dando toques muy suaves por zonas con la punta de la espátula, siguiendo el sentido de la piedra,  en vertical, en horizontal o inclinadas hasta que logres que parezca piedra de verdad. Hay que cuidar el color de la montaña evitando que se oscuresca mucho, para que se aleje, ayudando a dar la profundidad a nuestra naturaleza para pintar.

Ahora se sigue con las rocas del río,  detallándolas para que adquieran más volumen, lo que se consigue haciendo variaciones de color sin salirte del color base, enfatizando el color en las zonas de luz y oscureciéndolo para las sombras.

Para las piedras del río debes seguir las pinceladas en el sentido adecuado que cada roca requiera, en unos casos en curva, en otros en forma recta, para así formar ángulos. El conjunto de todo esto será lo que dé volumen y credibilidad al río.

Se continúa con la zona de los árboles a los que se les va a dar  volumen a base de luz, haciendo varias mezclas de verdes y dando pinceladas seguras, no trates de pintar hojas, sino zonas de color. Y ya de pasada, se van a dar unos toques de luz en el agua del río, creando un poco de movimiento.

Se deja secar otros tres días.

Se retoma el trabajo retocando el puente y toda la vegetación a la derecha de éste, lo que ayuda bastante al conjunto. Se va a dar más fuerza y movimiento al río agregando espuma blanca en ciertas zonas,  mezclando Blanco con un toque de Azul Ultramar con unas pinceladas circulares, dejando que el río se exprese.

Se revisa todo el conjunto, se retocan los detalles que falten, ya sea un poco de sombra en las nubes, un poco de color a los árboles o dando más movimiento al río, hasta que te sientas satisfecho con tu naturaleza para pintar hecha realidad.

Basado en http://www.deseoaprender.com

Características de una obra de arte.

Una obra de arte representa una imagen que se logra a través de la mezcla de los elementos que la componen. De esta manera, podemos decir que las características de una obra de arte son: líneas, volumen, áreas, color, valores, equilibrio, proporción, ritmo, énfasis.

Las líneas son el recurso básico de la expresión pictórica. La línea puede ser utilizada como un esquema que sirve como base al desarrollo de la imagen, o bien, la línea puede ser un recurso expresivo por si mismo. se puede concluir que las líneas se utilizan a conveniencia para expresar una intención.

El volumen se logra a través de las áreas, que pueden ser planas o yuxtapuestas. Las áreas sirven como elemento fundamental en la estructuración de la obra en su totalidad, ya que con ellas se logra el equilibrio, el ritmo y el énfasis. Las áreas pueden ser definidas, sólidas, dándole peso a un lado específico de la composición.  Logran dar ilusiones ópticas mediante las combinaciones de elementos como la línea y el color.  Para dar profundidad en la composición y el diseño el artista se vale de planos, desde el primero, segundo, tercero, logrando así la perspectiva.

El color permite al artista combinar y contrastar. Tiene unas cualidades visuales que es lo que llamamos valores, estos son la luz que produce en el cuadro luminosidad y sombras. El color puede crear ilusiones, volumen, profundidad.  Los diferentes tonos de color se miden en fríos o calientes. Los colores cálidos, los oscuros y las tierras pesan más que los colores fríos, los claros y los saturados o puros.

Existe equilibrio cuando un peso es igual a otro y lo contrarresta, cuando distintos pesos se compensan o cuando existe armonía entre los distintos objetos.

El ritmo es la combinación armónica de de las formas siguiendo un orden que contempla tanto los espacios vacíos como los ocupados.

Cada uno de estos elementos conforman una obra, sin embargo hay algunas características de una obra de arte para que se considere como tal y pueda trascender a través del tiempo como innovación, virituosidad y visión artística.

Virtuosidad es la forma en que un artista domina la técnica. Un pintor virtuoso hace parecer natural ese dominio de la técnica.

Visión artística es que el pintor exprese sus ideas y sentimientos a través de la pintura con pasión, entregándose a ello, como Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.