Leonid Afremov

leonid_afremovLa mayoría de los artistas tienen a desarrollar un estilo en particular que distingue sus obras de otros talentosos pintores. Otros por el contrario tendrán la habilidad de pintar con tantas técnicas que probablemente no encuentres punto de comparación entre sus obras ni una señal que te ayude a reconocerlas. Adoptar un estilo propio, sin embargo, es parte del sello artístico del pintor y algo que puede traerle mayor reconocimiento.

Tal es el caso de Leonid Afremov, un pintor impresionista moderno de nacionalidad ruso-israelí que a través de vibrantes colores ha creado obras bellísimas que llevan su inigualable estilo. Afremov nació en Vitesbsk, Bielorrusia en julio del 55 y vivió ahí hasta 1990 para después vivir en Israel y por último en Boca Ratón, Florida, donde reside actualmente.

Su técnica consiste en en aplicaciones de intensos colores sobre un lienzo con cuchillo y espátula, las atmósferas que logra parecen sacadas de un sueño, una fiesta de color y compone ambientes tan mágicos que reflejan la emoción de estar en los lugares que pinta. Afremov comenzó a vender sus pinturas a través de eBay con gran aceptación y comentarios positivos. Desde entonces, su negocio es el Internet.

Aunque ha tenido varias exposiciones no son su prioridad, él prefiere vender su obra de manera directa al coleccionista. Él pinta mientras sus hijos se encargan de coordinar las ventas y envíos. Viaja varias veces al Caribe mexicano para relajarse y tomar inspiración para sus obras.

Puedes echar un vistazo a la galería de Leonid Afremov en su sitio de Internet donde también puedes comprar sus obras y aprovechar los descuentos que ofrecen por temporadas.

Pintura Barroca

barrocoLa pintura barroca es una corriente identificada alrededor del año 1600 y se extiende hasta principios del siglo XVIII. Es caracterizada por sus escenas realistas, fuertes contrastes y colores variados con los que capturaban justo los momentos más dramáticos de la situación a diferencia del arte renacentista. Pretendía inmortalizar la pasión y las emociones en contraste a la racionalidad del renacimiento.

Algunos de los máximos representantes del barroco son: Caravaggio, Rembrandt, Peter Paul Rubens, Diego Velázquez, Nicolas Poussin y Johannes Vermeer. Los protagonistas de la pintura barroca por lo general son las personas en su forma más realista, ya sea con iluminación natural o con el uso del claroscuro.

En el sigo XVII, la prosperidad en Holanda permitió una gran producción artística con pintores especializados en un sólo género que podían ser bodegones, paisajes, retratos, escenas de género, pintura de historia. A esta etapa se le conoce como la Edad de Oro Holandesa y fue muy influyente hasta la llegada del modernismo.

También la iconografía religiosa se enriqueció con el barroco junto a los nuevos géneros creados durante este periodo. El realismo y el claroscuro fueron los elementos clave de este estilo por lo que el uso de la luz se volvió fundamental. Así la luz dibuja y difumina contornos, define el ambiente y crea la atmósfera del cuadro con el matiz de sus colores.

Las composiciones son más elaboradas en cuanto a perspectiva y profundidad, te da la sensación de movimiento porque el espacio se vuelve dinámico. Se domina a la perfección la técnica del óleo sobre lienzo y de la pintura al fresco.

Fuente: Wikipedia

6 técnicas para pintar al óleo

El óleo es muy versátil para pintar, depende de cómo lo utilices puedes obtener texturas y vistas muy diferentes. Según la técnica que utilices puedes acabar pronto o tardar varios días, pues el óleo tarda mucho tiempo en secarse.
Las 6 principales técnicas para pintar al óleo serían estas:

1. Alla Prima

La pintura se aplica de forma rápida, los movimientos del pincel deben ser libres, seguros y confiados. Es la predilecta de los pintores de paisajes y en general por los impresionistas. Van Gogh fue un fiel representante de esta técnica.

2. Prepintado

Para esta técnica los pinceles grandes son ideales. Se tengan bocetos o no, se aplican los tonos fundamentales para darles una terminación diferente con veladuras y capas de pintura opaca.

3. Veladuras
Consiste en aplicar múltiples capas con el mínimo de pintura posible. El objetivo es lograr transparencias, por lo general en colores claros para que reflejen mejor la luz. Las capas de pintura opacas puestas al lado de las veladuras producen un efecto de profundidad que le da un acabado tridimensional al cuadro.

4. Impasto

Se aplica pintura espesa sobre el lienzo que se moldea con un pincel o una espátula. El resultado es una pintura con textura tridimensional. Es posible pintar cuadros completos con esta técnica aunque tambiés se utiliza antes de las veladuras. Rembrandt y Tiziano fueron representantes de la técnica de impasto con espátula.

5.Restregado

Para lograr el restregado se aplica una capa de pintura opaca sobre otra de un tono más oscuro en forma irregular. El objetivo es que las capas de abajo puedan ver a través de las superiores. El pincel se debe mover en forma circular, con rayas, manchas, brochazos o punteos.

Se puede utilizar cualquier tipo de pincel, utilizar trapos, incluso los dedos para eliminar el exceso de pintura.

6. Húmedo sobre húmedo

Se repinta o restrega pintura nueva sobre la capas ya aplicadas aún húmedas, de ser posible, los colores deben fundirse.

Fuente: Cuales son las 6 tecnicas para pintar al oleo? (Aprende a pintar con óleo)

Miguel Ángel Garrido – Don Pintor

 

Miguel Ángel Garrido, conocido en las redes sociales como @DonPintor, es un joven talento mexicano que ha encontrado ellas una forma de compartir su trabajo.

Miguel Ángel nació en la Ciudad de México en 1982 y a los 19 años se mudó a San Miguel de Allende para estudiar Artes Plásticas en el Instituto Allende. Más tarde se especializó en pintura con el maestro José Ignacio Maldonado.

El trabajo de “Don Pintor”, se caracteriza por sus escenas de la vida cotidiana, su familia y sus amigos a menudo son los protagonistas de sus pinturas.

La obra de Miguel Ángel tiene otro lado, uno más animal e instintivo. En este lado plasma el erotismo y la naturaleza carnal que existe en el ser humano, muestra junto a ella también su vulnerabilidad.

Don Pintor muestra a través de Twitter y otras redes sociales, el proceso creativo de su obra. Le gusta compartir lo que hace y que la gente pueda ver cómo una pintura adquiere vida.

En 2005 presenta su primera muestra individual titulada Expansión en látex, 34 piezas entre óleos y acuarelas que se presentaron en la Casa de Cultura Jaime Sabines de la Ciudad de México.

Su segunda exposición fue en 2006 con la serie Animal en celo que integra 22 óleos de elevada carga sexual. Esta exposición se vio complementada con Vorágine en 2008, ambas en el Museo de la Ciudad de Querétaro.

En 2009 presentó en Aldama Fine Art Mientras sigamos vivos, la primera parte de una trilogía que culminó el año pasado. Todos nuestros fantasmas en 2010 y Serán mi nostalgia en 2012 complementan esta serie en la que el movimiento y la abstracción son de los elementos principales.

En el siguiente video podrás conocer parte del proceso creativo de Miguel Ángel Garrido, “Don Pintor” y su pasión por la pintura.

The Tight Modern

Tight Modern Museum, Museo Tight Modern

Es una réplica del Famoso Museo de Londres : Tate Modern Gallery. Es parte del Festival : “Brighton’s Fringe Festival”.

La exposición hace un tour por varias partes de Londres desde Sussex hasta Londres. Pasan por: Londres, Brighton, Londres y Chichester.

En él exponen 50 artistas marginados, es la galería temporal más pequeña. Puedes revisar en el sitio las exposiciones del 2008, 2009 y 2012.

Las imágenes de la exposición del 2009 se usaron para crear postales, las cuales se pueden adquirir en el sitio web.

The Tight Modern

Cuadros de paisajes naturales

Cuadros de Paisajes Naturales

Jorge Caballero

Explicación paso a paso de su realización.
En la pintura es fundamental dejar completamente listos aquellos detalles previos que como resultado pueden ser imperceptibles, pero sin lugar a dudas son determinantes para el éxito final de nuestra pintura.
Tal es el caso de los paisajes lejanos, los cuales deben quedar completamente listos antes de continuar con los planos medios del trabajo, desarrollar la obra de esta manera te ayudará a verificar de manera mucho más práctica los diferentes planos que vas elaborando en la medida que vas pintando, descubriendo con mayor efectividad si tienes algún tipo de error en tu trabajo. En la obra de este pintor Chileno: Jorge Caballero, podemos ver claramente los diferentes planos del paisaje.

Planos alejados.

Lo más recomendable es trabajar en diferentes capas, guardando estrictamente el tiempo de secado entre ellas, de esta manera podemos avanzar adecuadamente hacia la elaboración de los planos más cercanos.

Recuerda hacer previamente tu boceto con carboncillo o lápiz blando, en el primer caso, utiliza un fijador para evitar que la pintura se llene de manchas grises.
Recuerda que la sensación de lejanía que proporciona el fondo de un paisaje es fundamental para dar un adecuado efecto, evitando que este quede plano, tal y como sucede en las fotos.

Para lograr una correcta profundidad utiliza todos los elementos que tienes a mano, los colores, la perspectiva y el difuminado y todos los elementos que se te ocurran para realizar un excelente trabajo, de todas maneras no te preocupes si no obtienes el resultado esperado, con el tiempo adquirirás experiencia en este aspecto.

El tema fundamental en este aspecto son los colores, utiliza colores fríos y oscuros sobre los fondos de la imagen, evita utilizar colores fuertes o agregar detalles, difumina los bordes de las imágenes de fondo y no hagas sus acabados de forma definida.

Planos medios.

Sobre los planos medios te acercas al objeto principal del cuadro, por lo tanto, utiliza colores más fuertes como el verde y el amarillo y aumenta la intensidad de los detalles. Este plano es un poco difícil de lograr, puesto que no debe quedar tan alejado como el último, pero tampoco tan cercano que ocupe la disposición del primer plano, los detalles deben ser muy finos, algunas ramas de los árboles e incluso algunos grupos de hojas, pero nunca hojas individuales.

Empieza a insinuar luces y sombras, así también como el volumen de los elementos, sin embargo no caigas en la tentación de detallar uno a uno los aspectos en esta fase del dibujo.

Planos medios más cercanos.

Como puedes ver no siempre habrá sólo tres planos en una pintura. El desarrollo de un plano medio cercano cuenta con algunas características del primer plano, empieza a realizar algunos detalles e inicia con el uso de colores más cálidos como tierra y naranja.
Para definir algunos detalles inicia con el uso de colores oscuros y finalmente empieza a subir el tono mediante el uso de colores claros.
Finalmente, en el primer plano, rectifica muchos más detalles y utiliza colores más cálidos como rojos, amarillos, naranjas, entre otros.
Durante la elaboración de estos planos es fundamental mantener la adecuada perspectiva de la imagen.

Cuadros de flores para pintar

Cómo pintar flores al óleo.

Primeros pasos.

Lo primero que debes hacer para descubrir como pintar flores al óleo es dibujar un esbozo del diseño que deseas realizar, con carboncillo, antes de iniciar la pintura con óleo sobre la superficie.
De manera inicial, el óleo debe ser aplicado utilizando algún tipo de solvente, inicialmente utiliza un poco de aguarrás, también puedes mezclar el óleo con aceite, especialmente sobre la tercera capa del trabajo, el uso de sustancias diferentes hará que este se seque de formas variadas, creando diversos efectos.
Los óleos son elementos muy útiles para pintar especialmente paisajes y flores, estos permiten llevar a cabo una mezcla de colores de forma rápida y sencilla, favoreciendo considerablemente este tipo de trabajos.

cuadros de flores para pintar

cuadros de flores para pintar


Detalles de aplicación.

Para pintar flores al óleo, lo más favorables es utilizar un pincel para aplicar la pintura, los cepillos se encuentra diseñados para desarrollar diferentes efectos, gracias a que son elaborados con una gran variedad de fibras. Los pinceles elaborados a base del pelo del cerdo te ayudarán a ganar trazos mucho más dinámicos y texturas de empaste, en cuanto a los cepillos elaborados a base de pelo de mangostas, resultan muy propicios para realizar todo tipo de trabajo al detalle.
Los pinceles o cepillos más costosos son aquellos elaborados a base del pelo de la marta roja o comadreja, los elaborados con el pelo del visón siberiano, ambos de suave manejo y conocidos como cepillo de complemento.

Incorpora paulatinamente los colores que tienes sobre tu paleta, sobre el área a pintar, pero sin mezclarlos. No refriegues el pincel, deja la pintura solamente apoyándolo sobre el lienzo. Lo mejor es esperar a que la pintura seque y luego verifica si se mezclan los colores al pintar.

Elabora colores nuevos en la paleta para pintar las flores, lo más indicado es utilizar colores vivos para resaltarlas, tales como el magenta, el amarillo y el blanco. Inicia, si lo deseas, con un tono rosa, agregándolo con pequeños toques de pincel, tres o cuatro, o cuantas veces desees, en sentido horizontal, y pequeños trazos finos en algunas terminaciones de las hojas, especialmente sobre aquellas que queden expuestas sobre el espacio libre.

Para agregar algunas ideas, si vas a pintar unas flores salvajes sobre un fondo verde, puedes llamar la atención con algunas flores desperdigadas, ubicadas en primer plano, utiliza diferentes colores llamativos, rosa, rojo, etc. Has estas flores también de diferentes tamaños. Finalmente entre el verde del campo da unas pinceladas muy finas de verde.
Si quieres pintar un grupo diferente de flores, puedes dar un toque completamente alterno, dando tan sólo dos o tres pinceladas en forma de pétalos. Sigue utilizando los colores más indicados para las flores, continúa con rosa y el rojo, elabora una flor a golpe de pinceladas utilizando una carga de estos dos colores en los laterales y agrega unos puntos de color oscuro para el centro de la flor.

Utiliza también el naranja para tus flores, continúa pintando los pétalos de color oscuro dando toques de pincel.

Naturaleza muerta para pintar

naturaleza_muerta

Cómo empezar a pintar al óleo.
La naturaleza muerta para pintar o los denominados bodegones, son un tema habitual en el desarrollo de la labor artística. Los bodegones suelen utilizarse como el entrenamiento perfecto para iniciar el camino del artista, puesto que permiten lograr un control total sobre el modelo, la composición, la iluminación, entre otros elementos.
La naturaleza muerta para pintar es indispensable al inicio de la carrera de cualquier artista, al menos hasta que logre una verdadera soltura con las diferentes técnicas de dibujo, modelado de las formas y el dominio del color.
Una vez el artista ya ha dominado estas técnicas, estas pueden ser aplicadas a cualquier otro tipo de motivos, la naturaleza muerta para pintar es el tema principal de las grandes obras de muchos artistas, el hecho de que sea utilizada al inicio de la carrera de los mismos, no le resta valor a este tipo de trabajos.
Debemos aprender a apreciar la naturaleza muerta para pintar descubriéndola en la máxima capacidad expresiva del arte, tanto como un retrato, un paisaje, la comunicación de emociones y de muy variados sentimientos.

Materiales para pintar la naturaleza muerta al óleo.

Vamos a detallar los materiales indispensables para desarrollar la pintura al óleo de naturaleza muerta. Para realizar bodegones al óleo necesitas un muy buen soporte, la superficie que elijas marcará la diferencia, con el resultado final, la cual puede ser muy considerable.
Empecemos con los tableros, el tablex es un excelente soporte para realizar este trabajo, pero este debe ser previamente preparado para iniciar sobre él el trabajo en óleo. Si lo deseas, puedes adquirir tableros ya preparados.
El uso de tableros de ayudará a obtener una superficie mucho más lisa y menos absorbente que otros materiales como las telas, como resultado final, obtendrás una pintura mucho más brillante y con una textura mucho más uniforme.

En los trabajos con el óleo, lo más habitual es el uso de los lienzos, estos consisten en un bastidor de madera sobre el cual la tela es tensada, los lienzos pueden ser de lino, los cuales son los que proporcionan la mejor calidad, de algodón, el cual es más barato y corriente, esta tela debe ser preparada con cola o gesso.
Puedes adquirir lienzos de cualquier tipo de tamaño y de forma, tanto redondos, como ovalados o cuadrados, su principal ventaja, estos son ligeros y fáciles de transportar.

Los cartones.

Los cartones son otro soporte habitual, este también debe ser preparado previamente, si no lo haces, el material se estropeará con el uso del óleo y además, absorberá mucha pintura, disminuyendo la calidad e intensidad de los colores.
Si vas a trabajar con cartón, prepáralo por ambas caras para que este no pierda su forma.

Los pinceles.

Adquiere pinceles de varias formas y grosores, planos y también grandes, de esta forma lograrás cubrir las zonas amplias con gran rapidez, por el contrario, utiliza los pinceles redondos y finos para desarrollar los detalles más pequeños.
Recuerda limpiar muy bien tus pinceles para que estos duren mucho más tiempo, utilizando agua tibia y jabón, si los dejas secar sucios se estropearán rápidamente.